Exposición de Pintura: Popism. Arte Pop Americano. Patio de la Infanta

A mediados del siglo XX surgió en Estados Unidos y Reino Unido, como reacción al movimiento expresionista abstracto, el Pop Art. La traducción literal sería Arte Popular. Eso es lo que pretendían estos artistas. Popularizar el arte que el movimiento expresionista abstracto estadounidense ponía, de forma elitista, al servicio de una determinada clase social. Quizá los expresionistas abstractos no buscaban una clase social definida por el dinero, pero sí definida por sus conocimientos intelectuales. No cabe duda de que los expresionistas abstractos necesitaban para desarrollarse un público muy culto, muy formado intelectualmente.

Al contrario, los artistas pop pretendían hacer cultura popular, con objetos cotidianos, colores brillantes y técnicas que permitiesen la repetición de la obra de arte en serie. No por ello, pueden considerarse frívolos ni considerar que habían olvidado las escuelas artísticas precedentes, ya que en sus obras pueden verse claramente influencias del surrealismo y sobre todo del dadaísmo. Únicamente, querían romper esa barrera elitista e intelectual que los expresionistas abstractos habían creado y poner al servicio de la gente popular imágenes con un valor artístico. Aunque, irónicamente, cuando ya se consolidaron como artistas su caché no estuviese al alcance de la mayoría.

Andy Warhol

Esta exposición de Ibercaja contiene obras de cinco autores muy representativos y lamentablemente, ninguno de ellos es mujer. Denominador común de todos los autores es su multidisciplinariedad y, a pesar de sus egos, la capacidad para colaborar entre todos ellos.

Roy Lichtenstein

No se podía empezar esta exposición de otra manera. Andy Warhol es el primer autor que nos encontramos. Warhol pasó su infancia muy limitado por la enfermedad de Huntington y como distracción coleccionaba fotos y carteles de las estrellas de Hollywood. Su mayor deseo era convertirse en una de ellas. Para ello se trasladó a Nueva York y empezó a trabajar en la profesión de moda de los años 1950, publicista. Años más tarde se consolidó como artista multidisciplinar y creó The Factory, su estudio. En esta exposición el color de las paredes se ha pintado de gris plata tal y como era este estudio. Un sencillo homenaje. 

De su paso por el arte publicitario le quedó la idea de repetición asociada a objetos cotidianos y también a personas, principalmente a personas famosas. De ahí sus retratos de Marylin Monroe o de Jackie Kennedy, genuinas representantes de la vida glamurosa que Warhol tanto había admirado. Más allá de estas series sobre la Coca-cola o las sopas Campbell o sobre famosas y vacas, Warhol siguió en cierto sentido vinculado a la forma de diseño publicitario. Con trazos rápidos e imágenes incompletas o simplemente esbozadas también componía retratos y reelaborando imágenes sacadas de la prensa producía obras muy críticas como su serie sobre la pena de muerte.

Roy Lichtenstein es más conocido por su reinterpretación de la estética del cómic aunque había comenzado su carrera como expresionista abstracto y tuvo un breve periodo como constructivista, sin embargo renegó de estas tendencias y destruyó las obras correspondientes a esa época. Su estilo peculiar se concentró en ampliar escenas aisladas de las viñetas de los cómics para obtener una pintura de tamaño convencional y reproducir a mano su punteado característico, los puntos ben-day. Posteriormente, sus ayudantes se ocuparían de esto utilizando una plantilla especial, pero el punteado de sus primeros cuadros lo realizó él mismo con pincel.

Representó en estas imágenes al prototipo de chica estadounidense, rubia, sana, de ojos y piel muy claros pero en actitudes de desvalimiento y frustración. Incluía en ellas también las onomatopeyas propias del cómic y, homenajeaba a Picasso recreando sus pinturas con jóvenes rubias. En el Reina Sofía se puede ver una de sus esculturas que representa un trazo. De toda esta exposición, mi pieza favorita es Red lamp. En su aparente simplicidad yo puedo ver y sentir la soledad de alguien.

Robert Rauschenberg es el artista que más me ha sorprendido. Aparentemente no tiene mucho en común con los demás. Sus pinturas y collages son mucho más sombríos, evitan los colores vivos de los otros artistas pero sí que incluyen objetos cotidianos y por supuesto un discurso irónico respecto a la sociedad de consumo. Aun así son de comprensión menos inmediata, requieren una reflexión diferente. Se formó como farmacéutico y sus conocimientos sobre química facilitaron la creación de una pintura acrílica de secado muy rápido que fue utilizada por estos autores.

Este tríptico es un autorretrato y es una de las piezas más representativas de la complejidad de su obra.

Robert Clark firmaba sus obras como Robert Indiana. Había nacido en ese estado en 1928. Sus obras no están tan relacionadas con el consumismo y los mass media como las de otros autores pop, sin embargo, mantienen una estética parecida. Se hizo famoso con su serie de pinturas, esculturas y serigrafías que incluían la palabra LOVE que supuso un punto de inflexión en su carrera debido al enorme simbolismo emocional que volcó en estas obras. Estos artistas tenían por costumbre pasear y vagabundear buscando su fuente de inspiración. En uno de esos paseos, Indiana encontró unas viejas planchas troqueladas del siglo XIX que servían de plantillas para hacer números y empezó a incorporarlas en sus obras.

En el año 2008, con más de 80 años, colaboró en la campaña presidencial de Barack Obama. Para ello diseñó, de forma muy similar a su serie LOVE, una serie con la palabra HOPE como núcleo central porque como él mismo dijo quería sembrar el mundo con esperanza. En esta exposición se puede ver también un homenaje a Picasso.

Keith Haring es el último de los artistas incluidos en esta exposición. Había nacido en Pensilvania y se formó como artista callejero (algunos consideran el Street Art como parte del Pop Art). Haring había estudiado semiótica en la universidad y sabía que los signos podían tener tanto significado como las palabras y que serían accesibles si el receptor conocía el código correspondiente. Sus obras más conocidas son figuras muy simples, de trazo grueso, colores vivos y alegres; sin embargo, también tiene una vertiente más oscura. Hay en esta exposición parte de esas obras que abordan temas preocupantes para el ser humano y que inició una vez que le fue diagnosticado sida: la religión y el poder, el abuso, la muerte.

Ibercaja. Patio de la Infanta. 

C/ San Ignacio de Loyola, 8, Zaragoza.

Hasta el 26 de mayo