lunes, 21 de agosto de 2017

Excursión: Laguna de Sariñena y Monasterio de Sijena con Aventourarte (2017)

La laguna de Sariñena recibe los aportes de los ríos Flumen y Alcanadre. Está situada en plena comarca de Los Monegros, en Huesca. Es una laguna de origen endorreico, es decir, que no tiene salida hacia ningún mar u océano. Generalmente este tipo de lagunas tienen una alta concentración en sal, pero ésta de Sariñena, con la llegada de los nuevos sistemas de riego, se convirtió en sumidero del sobrante, convirtiéndose en una laguna de agua dulce y no estacional.

Para aprovechar el cierzo en Monegros

Esta circunstancia hizo que cambiasen completamente tanto el paisaje como su vegetación. El mayor volumen de agua dulce atrajo a los peces y los anfibios y éstos a las aves acuáticas, residentes y también de paso. En 1995, fue declarada Refugio de Fauna Silvestre y en 2001 Zona de Especial Protección para las Aves. Desde la laguna puede verse la Cartuja de las Fuentes que merece una visita aparte.

Debe impresionar verla llena de aves que van y vienen en temporada
Cuando estuve visitándola, no era época de migración de aves sino de cría. Así que no pudimos ver muchas porque estaban ocultas ocupándose de sus quehaceres domésticos. Sí que pudimos observar con más detenimiento la vegetación, especialmente la de ribera: carrizos, tamarices y también salicornias.

No está desenfocada, es el Cierzo.
También me resultó muy curioso el eslizón tridáctilo, un pequeño lagarto que de aquí a unos cientos de años perderá sus minúsculas patitas y se convertirá en una serpiente. No pude verlo en persona porque es un animalillo muy tímido. Como curiosidad, el día que estuve soplaba un fuerte cierzo que rizaba un poco la superficie de la laguna. En otras ocasiones, especialmente en el invierno se han levantado olas de hasta 50 cm.

Unas patitas muy pequeñas para ese cuerpazo.

La visita al Monasterio de Santa María Reina en Villanueva de Sijena fue la segunda parte de la excursión. Tenía mucho interés en realizar esta visita, antes de que la Generalitat de Cataluña devuelva las célebres pinturas que pertenecieron a este monasterio. Me gustará mucho comparar el antes y el después porque estoy segura de que, sin tardar mucho, volverán allí. Ahora, pudimos ver unas pocas piezas ya devueltas que, parecen no ser muy valiosas, pero que yo creo que los investigadores estarán encantados de trabajar sobre ellas. Del monasterio lo que mejor se conserva hoy es la Iglesia. 


Portada de entrada a la Iglesia

Románico bizantino
El monasterio fue fundado por doña Sancha de Castilla, esposa de Alfonso II de Aragón en 1183; así desde el primer momento tuvo condición de monasterio real y fue destino de reinas y princesas viudas y solteras. Estuvo habitado por la rama femenina de la Orden Hospitalaria de San Juan de Jerusalén, cuyo carisma era la defensa de Tierra Santa y la hospitalidad a peregrinos y pobres. Hoy se considera que su sucesora es la Orden de Malta, definida como religiosa-laica e inmersa en un proceso de transformación.

Monja sanjuanista de Sijena

Entre 1301 y 1348, con doña Blanca, hija de Jaime II de Aragón, el monasterio tuvo su segundo momento de esplendor. Se edificó entonces el palacio prioral, del que apenas quedan unos muros en pie. Una de las piezas devueltas es la puerta principal de este palacio, que conserva la policromía original, con diferentes escudos de las familias más poderosas.

Detalle de la puerta del Palacio Prioral
Después durante el siglo XIX vivió casi su peor época. La decadencia se había iniciado antes, pero también contribuyó al abandono y la ruina la Guerra de la Independencia. El monasterio fue ocupado y saqueado por las tropas napoleónicas. En 1836, además quedó afectado por la desamortización de Mendizábal. El mismo monasterio y gran parte de sus tierras y bosques quedaron privatizados, aunque el dueño permitió a las monjas seguir viviendo allí. Más tarde se anuló la venta del monasterio y las monjas pudieron recuperar su propiedad, pero no la de las tierras.

Otra pieza devuelta. El craneo-reliquia de Santa Constanza
Al tratarse de un monasterio real se exigían pruebas de nobleza a las postulantes. Sin embargo, con toda esta ruina los requisitos para profesar se fueron relajando, aunque se mantenía la jerarquía dentro del monasterio. Las monjas nobles podían llevar en el hábito negro la cruz blanca de ocho puntas que hace referencia a las bienaventuranzas; las monjas que no eran nobles sólo estaban autorizadas a llevar media cruz.


El último episodio de ruina se produjo durante la Guerra Civil de 1936. Se perdieron la mayoría de las obras de arte y el monasterio estuvo ardiendo durante más de un mes. También entonces se arrancaron las pinturas de la Sala Capitular y se trasladaron a Cataluña para protegerlas. Años más tarde, en los 1980, las monjas sanjuanistas abandonaron el monasterio definitivamente y vendieron las obras de arte restantes de manera no muy ortodoxa. Comenzó, poco tiempo después, el pleito sobre la propiedad de todas esas obras que todavía no ha concluido y en el que, podríamos decir, que David-Sijena va ganando a Goliat-Cataluña, otra vez.

Sala Capitular. Acuarela de Valentín Carderera
Existen acuarelas de Valentín Carderera de finales del siglo XIX y sobre todo fotografías de los años 1920, tomadas por Ricardo Compairé y Ricardo del Arco que muestran la grandeza de las obras de arte y la riqueza de las techumbres mudéjares pertenecientes a este monasterio.

Fotografía de Ricardo del Arco
Entre las piezas devueltas recientemente también hay varios documentos. Había una carta partida por ABC de 1213. Estas cartas eran documentos escritos por duplicado y divididos por la mitad por las letras ABCD, con objeto de probar la veracidad del documento; de manera que cada mitad quedaba en manos de uno de los contratantes. En ésta concretamente don Ramón de Muro debía de estar pasando apuros económicos y empeñó las rentas de su castillo de Pallaruelo a favor de don Blasco de Estada. Lo curioso de este documento es que el contrato no se llevó a efecto porque la carta no está dividida. 

Carta ABC

En 1985, comenzó también otra etapa de revitalización con la instalación de las hermanas de Belén, de la Asunción de la Virgen y de San Bruno. Orden de origen francés surgida en 1951 de clausura y contemplativa. Recomendable.


viernes, 18 de agosto de 2017

Exposición de Fotografía: Cang Xin - PhotoEspaña 2017

Cang Xin es un artista chino nacido en 1967. Es importante señalarlo porque ha llegado a su madurez artística y humana en un momento de cambios espectaculares en su país (y también en el resto del mundo). Empezó dedicándose a la música, pero pronto se pasó a otro medio de expresión que yo considero todavía más abstracto. Es lo que se define como performance o acción artística. Algo en lo que el artista se involucra totalmente para provocar sensaciones en el espectador: la mayoría de las veces asombro pero también otras sensaciones mucho más negativas como el rechazo o la incomprensión.


Este arte en vivo, dada su calidad de efímero, generalmente necesita otro soporte más tradicional: fotografía, vídeo o cualquier otro medio audiovisual. Así es como Cang Xin pasó de la fotografía como registro de la performance a la fotografía como expresión artística por sí misma.

El hombre y el cielo como un todo (2007)
En los años 1980-1990 en China, se buscó una reinterpretación de la tradición china que sirviera de base para un país que buscaba abrirse al exterior y por tanto aceptar su influencia, sin tener miedo a perder su propia identidad. En este sentido, la performance se adaptaba perfectamente a las necesidades de expresión de los artistas chinos porque, de alguna manera se priorizaba la cooperación de varios artistas en la misma obra e incluso se crearon pueblos de artistas como el Beijing East Village.


Consustancialidad (2009)
En este proceso de reinterpretación, artistas como Cang Xin se acercaron a la naturaleza para situar al ser humano como un elemento más de la misma; un elemento que, de acuerdo con la tradición china, puede fusionarse o ser engullido por ella, pero nunca podrá dominarla como pretende la tradición grecolatina.


Eso es lo que vemos en la primera parte de la exposición. La siguiente serie de la exposición se llama Comunicación y en ella Cang Xin utiliza su lengua como elemento de unión con diferentes objetos cotidianos y también en/con el suelo de diferentes ciudades. Es simbólico que utilice su lengua como instrumento de comunión/comunicación aunque sea comunicación no verbal; pero al mismo tiempo también resulta aterrador utilizar la lengua, como parte muy sensible e íntima del ser humano, sobre el suelo de una ciudad, como elemento sucio y despersonalizado de la civilización actual. Más adelante utilizará todo su cuerpo para establecer esta comunicación con la naturaleza, lo que lleva a algunos críticos a considerarle una especie de chamán.




En la última parte de la exposición se presenta la relación del artista con su identidad y con la de otros. A través del intercambio de indumentaria pretende despojar a los otros de su identidad social y revelar su verdadera identidad humana, al mismo tiempo que él asume la identidad descartada en primer lugar. Al menos esa es la interpretación que yo le he dado. Interesante. 




Cang Xin 
Centro de Historias
Plaza de San Agustín, Zaragoza
Hasta el 17 de septiembre 

miércoles, 16 de agosto de 2017

Museo Goya. Zaragoza (2017)


En 2015, el antiguo Museo Camón Aznar sufrió una profunda reorganización y pasó a llamarse Museo Goya. Existió cierta polémica ante este cambio porque el profesor Camón Aznar había sido una figura dentro del ambiente cultural zaragozano y no se merecía el ninguneo. Entiendo que el cambio fue correcto para intentar revitalizar el espacio y atraer a los turistas con el reclamo de las obras de Goya pero, al mismo tiempo, la colección de Camón Aznar quedó un poco oscurecida. 

José Camón Aznar por Oswaldo Guayasamín
El edificio es un exponente de palacio renacentista aragonés construido hacia el año 1535, aunque durante la última rehabilitación han aparecido en el sótano, junto a la bodega original, también restos romanos. Fue la residencia de Jerónimo Cósida, un reconocido pintor protegido por Hernando de Aragón, Arzobispo de Zaragoza y Virrey de Aragón, nieto bastardo de Fernando II el Católico.

Patio desde la planta baja
Después de ser la residencia de varias familias hasta el siglo XX y de que cada una de ellas hiciese las correspondientes reformas, lo único que queda de la época renacentista es el patio. Comparado con otros es un patio pequeño pero muy elegante, con columnas estriadas y decorado con grutescos y medallones y una galería de arcos de medio punto en la primera planta. En la fachada también destaca otro elemento característico del renacimiento aragonés: una galería con alero de madera ornamentado en la planta superior.  

Patio desde la planta primera
La colección se distribuye en las tres plantas del palacio y queda vertebrada en torno a la figura de Goya. La planta baja alberga el espacio para las exposiciones temporales. Ahora hay una exposición sobre La tauromaquia en Goya y en Picasso que no me voy a perder. Tiene pinta de ser muy interesante. En la planta primera llamada Goya Antecedentes, podemos ver los pintores barrocos que más influyeron en la formación de Goya. Casi toda la obra es de temática religiosa y también hay algunos retratos y otras piezas góticas, como la Virgen con niño entronizado y rodeada de ángeles músicos de Blasco de Grañén.


Virgen con niño 
Otra obra que me ha llamado mucho la atención ha sido este bajorrelieve en barro cocido sobre tabla de Juan de Juni, escultor renacentista, llamado La Piedad; los pliegues del manto de la virgen resultan envolventes y muy ligeros, realizados con gran cuidado.

Piedad

La planta segunda se dedica completamente a Goya y su obra. Este museo es el único que tiene expuestas las cinco series de grabados. Los Caprichos (1799), los Desastres de la Guerra (1810-1814), la Tauromaquia (1816), los Disparates (1816-1824) y los Toros de Burdeos (1825). En todos estos grabados se muestra el carácter más oscuro de Goya, capaz de ver lo más sórdido del alma humana, la depravación, el abuso sexual, la enfermedad y la locura, la indigencia, el disimulo y la soberbia, la decrepitud y el oscurantismo que, a veces todavía arrastramos.

Ya van desplumados

Entre todos ellos me quedo con dos: Murió la verdad y Si resucitará? En el primero, la verdad es una joven semidesnuda, rodeada de personajes brutales que, aparentemente, la han matado. En el centro de la imagen un oscuro obispo parece certificar la muerte, en la parte izquierda del grabado un personajillo horripilante con anteojos parece reírse. En la esquina inferior derecha, una mujer horrorizada se tapa la cara, lleva en sus manos una balanza. Es la justicia. En Si resucitará?, la misma joven ocupa la parte inferior del grabado. Sigue rodeada de personajes amenazadores que esperan que resucite para volverla a matar. Algunos estudiosos consideran que la joven muerta es la Constitución de 1812 porque lleva una corona de laurel.

Murió la verdad

Si resucitará?

Goya retrató en 1816, en uno de sus grabados de la Tauromaquia a la Pajuelera. Las llamadas señoritas toreras habían sido aprobadas durante el reinado de José Bonaparte, pero su origen era muy anterior. No me gusta la fiesta de los toros, la tortura y la muerte de estos animales y tampoco me gustan mucho los toreros que se muestran tan reacios al cambio. Pero mucho menos me gusta la invisibilización de la mujer. Las toreras existieron y siempre fueron minoría (y a mí me gustaría que no hubiese habido ninguna) y, como en cualquier otra actividad de mujeres, minoría silenciada y olvidada. Pues Goya la retrató y ese es el retrato más antiguo de una torera. El grabado se llama Valor varonil de la célebre Pajuelera en la de Zaragoza. La Pajuelera se llamaba Nicolasa Escamilla y era de Valdemorillo y seguramente sería pobre y no le quedaría más remedio que torear para ganarse la vida.

Valor Varonil 
En esta misma planta hay algunas pinturas y bocetos de los trabajos de Goya. Destaca el retrato de Félix de Azara, naturalista, militar y antropólogo, nacido en Huesca. Ejemplo de Ilustrado, se le encargó la misión de delimitar con precisión las fronteras de la América española y aprovechó también para estudiar la flora y la fauna del continente.

Félix de Azara
La Gloria (la Adoración del nombre de Dios) es el boceto de la pintura al fresco de la bóveda del coreto del Pilar de Zaragoza. Se considera una obra tardobarroca y destaca por la luminosidad del triángulo que representa a la Trinidad y que en la obra definitiva lleva inscrito el nombre de Dios en hebreo.

La Gloria 
La última planta, Goya Legado, se dedica a la influencia de Goya en los pintores del siglo XIX y XX. Hay obras de Unceta, Pradilla, Barbasán o Antonio Saura y también de escultores como Pablo Gargallo. Merece la pena recorrerla con más detenimiento. 

Manda. Antonio Saura

Museo Goya - Colección Ibercaja - Museo Camón Aznar
C/ Espoz y Mina, 23. Zaragoza

Madre infeliz

Sopla


lunes, 14 de agosto de 2017

Ópera: Madama Butterfly (2017)

Esta puesta en escena de Mario Gas de Madama Butterfly fue la que vi en directo hace unos años. Recibió muy buenas críticas en su momento y ahora se ha repuesto. Lo más novedoso era que, aprovechando la supuesta filmación de una película, podíamos ver en pantalla en blanco y negro primeros planos de los cantantes mientras se desarrollaba en el teatro la escena principal. Así teníamos al mismo tiempo dos visiones complementarias de la trama. Es muy original. 

No recuerdo quienes eran los cantantes entonces. En esta ocasión han sido Ermonela Jaho y Jorge de León. Ella me pareció que insuflaba al personaje toda su pasión y todo su dramatismo, consiguiendo emocionar; él, por el contrario, no sé si porque su personaje me resulta antipático o porque no se esforzó mucho, no me transmitió nada. Me gustaría tener conocimientos musicales para hacer una crítica más especializada, pero no los tengo, así que me baso únicamente en sensaciones.


A principios del siglo XX, Europa se consideraba todavía el corazón del mundo (yo creo que en 2017 sigue haciéndolo) y todo lo que no transcurría en su territorio le parecía exótico. Mientras en Estados Unidos, durante la segunda mitad del siglo XIX se había vivido una fiebre por colonizar el oeste, Europa trataba de descubrir los misterios del lejano oriente. Tan exótico resultaba uno como otro.


En la ópera también se vivió esta fiebre por lo exótico y autores como Puccini desarrollaron sus obras en Japón, Madama Butterfly y Turandot, y también en el Oeste, La fanciulla del West. También en moda, decoración, pintura y arquitectura había una verdadera obsesión por todo lo japonés. En el Museo Thyssen de Madrid hay ahora una exposición sobre Madama Butterfly y la atracción por Japón. Madrid, 1868-1915, hasta el 27 de agosto


Este año como parte de la celebración de la Semana de la Ópera y también por los 200 años del Teatro Real, se programó esta obra para ser emitida por RTVE y también en pantallas en calles y plazas. Era el 30 de junio. Los días antes a la representación habíamos sufrido una ola de calor desproporcionada en Zaragoza, pero precisamente ese día se levantó cierzo y la temperatura bajó unos 15 grados. Así que estaba en la parada del autobús dispuesta para ir a la Plaza de San Bruno, donde se había colocado la pantalla en Zaragoza y, como el autobús tardaba y tardaba y tardaba, empecé a quedarme pajarito.


Cambié de idea y decidí volverme a casa a ver la retransmisión de televisión despachurrada en mi sofá, tomando una taza de té y sin pasar ni frío ni calor. Una decisión acertada, porque quienes estuvieron en la plaza pasaron bastante frio, aunque quienes vimos la retransmisión de televisión no pudimos ver las imágenes en blanco y negro de la supuesta película.  


El argumento de la ópera es sobradamente conocido. Pinkerton es un arrogante, cabrón, hijo de yanqui que está destinado en Japón. Como no quiere aburrirse mientras dure su destino allí, decide casarse temporalmente con Cio-Cio San (se pronuncia Chocho San), una joven geisha que apenas tiene 15 años; una huérfana que, como consecuencia de esta boda con un extranjero, será repudiada por su familia. Por supuesto, Pinkerton se marchará, cuando se canse de ella, sin saber que Butterfly está embaraza (yo creo que si lo hubiera sabido se hubiera marchado igual) y Butterfly se quedará esperándole durante años, sumida en la tristeza, la pobreza y el rechazo de su gente.


El final fue, trágico y muy emocionante como corresponde a casi todas las óperas, pero mucho más cruel. Sería casi una metáfora de lo que Occidente y sus metrópolis han hecho con los países colonizados. Llevarse toda su riqueza, corromper a su población y dirigirse a esquilmar otra sociedad.


En esta página web se puede ver todavía la ópera retransmitida The Opera Platform


Dirección musical: Marco Armiliato
Dirección de escena: Mario Gas
Escenografía: Ezio Frigerio
Intrépretes: Ermonela Jaho, Enkelejda Shkosa, Jorge de León. 

viernes, 11 de agosto de 2017

Cine: Dunkerque de Christopher Nolan (2017)

Cuando el 1 de septiembre de 1939, Alemania invadió Polonia, tanto Reino Unido como Francia le declararon inmediatamente la guerra. Sin embargo, durante meses apenas plantearon batalla y Alemania siguió avanzando por Europa. Es lo que se llamó drôle de guèrre o guerra de broma. No sé si no tenían muchas ganas de luchar o si subestimaron al enemigo el caso es que para mayo de 1940, Alemania ya dominaba todo el centro de Europa, Bélgica, Países Bajos, Luxemburgo y Francia, y también Noruega y Dinamarca. En apenas seis meses habían llegado hasta la costa del Mar del Norte y veían desde allí la costa británica. 



Las tropas aliadas, la mayoría de ellas británicos de la Fuerza Expedicionaria, por falta de previsión o porque el enemigo era muy superior quedaron, así, bloqueadas entre la artillería alemana y el mar, con pocas posibilidades de ser evacuadas, especialmente teniendo en cuenta que, en esa situación de bloqueo, los alemanes aprovechaban para bombardearles sin descanso. Eran 400.000 hombres desprotegidos que querían sobrevivir, mientras en su país los políticos se planteaban firmar una paz deshonrosa con Hitler.


La Armada Británica preparó sus barcos para iniciar la evacuación, pero el problema fue que el puerto de Dunkerque estaba destrozado y los barcos de gran calado no podían acercarse. Así que, los soldados debían ser transportados en pequeños barcos hasta los barcos más grandes. Evacuar unos pocos soldados cada vez, al mismo tiempo que los alemanes les seguían bombardeando, era la única solución viable.


De manera que, incluso, tuvieron que recurrir a confiscar pequeñas embarcaciones pesqueras y también de recreo, de manera que involucraron a civiles en el rescate de esos soldados. Se llamó el Milagro de Dunquerke. Se había previsto evacuar a cincuenta mil soldados y al final pudieron salvarse más de trescientos mil. No sería milagroso si nos convenciéramos de que pequeños esfuerzos sumados son más fuertes que un gran esfuerzo.


En este escenario, sitúa Christopher Nolan su película. Una gran película sobre altruismo y egoísmo o sobre cooperación y supervivencia que, según algunos críticos, ganará en los Óscar todo lo ganable. Pero que, al mismo tiempo, también ha sido criticada por la prensa francesa, por no visibilizar la cooperación de Francia en la evacuación. Espero que los franceses hagan su propia película.


Vemos la acción desde tres puntos de vista, por tierra, mar y aire y también desde tres tiempos diferentes y a través de tres grupos de tres personajes principales cada uno. Tendría que dominar más la filmografía de Nolan para poder dar una explicación a esta preeminencia del número tres que ha sido reseñada por los críticos. Tres soldados, tres pilotos y tres civiles son los encargados de poner el elemento humano en la película, aunque tomados individualmente poco sabemos de ellos, apenas su nombre y nada de su historia pasada, ni mucho menos de su futuro después de la evacuación. Únicamente asistimos con cierto sobrecogimiento a sus intentos desesperados de sobrevivir, algunos un poco más turbios que otros pero todos comprensibles.


Así que podemos considerar que el protagonista absoluto es un personaje colectivo, el pueblo británico aunando sus esfuerzos para salvar y salvarse a sí mismo. A mí me ha gustado mucho esta película por la fuerza narrativa de la imagen y por la capacidad expresiva del sonido y de la música que hacen innecesarios diálogos y reflexiones, en un momento en que sobrevivir es mucho más importante que hablar o reflexionar.


Guion y Dirección: Christopher Nolan
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Hoyte van Hoytema