Cine: La próxima piel de Isaki Lacuesta e Isa Campo (2016)

Los primeros fotogramas de esta película son muy simbólicos. El deshielo en el Pirineo vuelve a mostrar la roca debajo de la nieve. Así en la vida de la gente el hielo mantiene las cosas ocultas pero al mismo tiempo frescas y dispuestas a salir con el primer rayo de sol. 

La pieza clave de esta película es el regreso de un adolescente, Gabriel, al que se le dio por desaparecido cuando tenía 8 años. Las dudas sobre su identidad, las suyas propias y las de su madre y el resto de la familia, pasan a un segundo término enseguida y toma protagonismo la recuperación de la identidad pérdida.

Nos embarcamos en el mismo viaje que la madre. Ella no tiene espacio para dudas ni para ambigüedades porque arrastra una carga mucho más pesada. Hechos del pasado, escondidos y mal resueltos. Emma Suárez ya hace mucho tiempo que es una actriz muy solvente, pero en este papel transpira vulnerabilidad por todos sus poros y, precisamente, en esa vulnerabilidad ha encontrado su fuerza, durante todos los años que su hijo estuvo perdido, para mantener el hogar a costa de perder su propia vida.

Sergi López, es el cuñado y tío de Gabriel. Es quien más desconfía de la identidad de Gabriel y tiene razones de peso para hacerlo. Un hombre muy arisco que esconde una gran violencia, siempre a punto de estallar. Casi durante toda la película lleva una escopeta de caza; en los últimos años ha mantenido una relación escondida con su cuñada. Posiblemente desde que murió su hermano o quizá desde antes.

Álex Monner interpreta a Gabriel, el niño perdido que vuelve convertido en un adolescente. Se integra enseguida en la pandilla de adolescentes del pueblo, sus antiguos amigos, y comienza a recordar cosas, pero no puede recordar nada sobre la muerte de su padre. Como adolescente es bravucón y fantasioso; pero en este caso, no podemos estar seguros de que parte de lo que dice no haya sido verdad. En los últimos años ha vivido en Francia, en un centro de acogida y allí los informes son secretos, ni siquiera se pueden revelar a la familia. Sus tatuajes dicen mucho de él y su capacidad para autolesionarse y oir (o recordar) voces también.

La película me ha gustado mucho. Se rodó en el pirineo aragonés, en catalán, castellano y francés. Yo he cometido el error (involuntario) de verla en versión doblada y es imprescindible verla en versión original. Siempre he dicho que deberíamos hacer el esfuerzo de ver cine en versión original, pero mucho más si (únicamente) una parte de la película es en catalán. Otra cosa me parece un auténtico despropósito.

Por lo que he leído de las críticas, en esta película, el idioma es utilizado como vehículo para la recuperación de la identidad. Gabriel ha pasado los últimos años viviendo en Francia y se expresa en francés pero con acento catalán; el hecho de mostrar este acento, este detalle hace que puedan localizar a su posible familia. Así que cuando vuelve a su pueblo, empieza a perder el acento francés y a relacionarse en catalán como estaba acostumbrado a hacerlo. Además, su madre, que había nacido en un pueblo del sur, hablaba con él en castellano y así es como recuperan su relación. Salí enfadada del cine porque todo esto lamentablemente se pierde en la versión doblada. Se pierde, por pereza intelectual, la parte más interesante de la película. Una pena.

Por lo demás, una muy buena película. Con una fotografía muy adecuada, fría y áspera, como corresponde al paisaje del Pirineo, pero, como con el deshielo, con la posibilidad de renacer. 

Dirección: Isaki Lacuesta, Isa Campo 

Guion: Isa Campo, Isaki Lacuesta, Fran Araújo

Música: Gerard Gil

Fotografía: Diego Dussuel

Intérpretes: Álex Monner, Emma Suárez, Sergi López, Bruno Todeschini

Visita cultural: Casa Solans. Avenida Cataluña 60, Zaragoza (2017)

La Casa Solans fue proyectada por el arquitecto zaragozano Miguel Ángel Navarro por encargo de Juan Solans, industrial harinero de la ciudad. Se construyó entre 1918 y 1921 y fue ocupada por la viuda del industrial, Rafaela Aísa. Después sus herederos la vendieron a una inmobiliaria que dejó que la casa se deteriorase durante veinte años hasta límites preocupantes y que fuese ocupada por indigentes y drogadictos que no tenían reparo en encender hogueras para calentarse en invierno.

Llegó a estar mucho más deteriorada

En el año 2000 fue adquirida por el Ayuntamiento de Zaragoza y catalogada como Bien de Interés Cultural en 2002. La rehabilitación comenzó poco después y fue un proceso muy laborioso y cuidado que terminó en el año 2006. Todo el mobiliario original de la casa se había perdido y también las pinturas y el retablo del oratorio; las vidrieras fabricadas por La Veneciana han sido sustituidas por simples cristales.

Detalle del techo del despacho

Techo de la escalera principal

En cuanto a la decoración exterior, se perdió parte del recubrimiento del mosaico de las columnas y también de las cenefas ornamentales pero en lugar de reproducir las teselas se optó por pintarlas. Se conserva una única bola ornamental original amosaicada.

Fachada interior 

Durante los últimos años después de la rehabilitación ha estado ocupada por el Secretariado del Agua de Naciones Unidas y, nuevamente desocupada hasta encontrar un nuevo uso, el Ayuntamiento de Zaragoza ha organizado visitas guiadas, todos los sábados.

Suelo a punto de cruz

Juan Solans y Rafaela Aísa eran originarios de Farasdués, en las Cinco Villas y allí tenían tierras de cultivo destinadas al cereal. Cuando decidieron trasladarse a Zaragoza, fue para ampliar su negocio y fundar una harinera, La Nueva Harinera, en lo que fue el primer polígono industrial de Zaragoza y cerca de su negocio decidieron construir también su vivienda rodeada de amplios jardines que hoy ya no existen.

Oratorio

El edificio se puede considerar de estilo ecléctico. Si bien en su ornamentación exterior es modernista, en el interior se aprecian techos de escayola de inspiración en el renacimiento y el mudéjar aragoneses. Tiene tres plantas. La planta baja estaba dedicada al trabajo, tanto del servicio como del señor de la casa y también a la zona de estar, el salón y el comedor principales. En la primera planta, los dormitorios de invitados y principal, salas de estar, el oratorio y una pequeña terraza. Además, el dormitorio principal tenía incorporado un baño completo. La última planta, actualmente está diáfana, pero en su momento tenía los dormitorios y las dependencias del servicio que incluían también un baño por cada dos dormitorios. Paradójicamente el dormitorio de invitados es bastante pequeño y no quedan vestigios de que tuviera un baño exclusivo. A la planta del servicio no pudimos subir.

Última planta

Como ya he dicho el mobiliario se ha perdido, pero todavía quedan detalles en el interior de la casa, muestra de su esplendor. Aunque se pensó como vivienda habitual Juan Solans murió antes de ocuparla y parece que su viuda decidió entonces decorarla a su gusto. Es posible que a la señora le gustase mucho la costura y el bordado porque los suelos tienen esa apariencia. Parecen plantillas de flores para bordar a cruceta. También el muro de la fachada principal donde se representan cuatro de los doce signos del zodíaco es una maravilla.

Fachada principal

Durante muchos años se la conoció como la Casa de los Azulejos. Y aunque al principio la señora Aísa no quería ocuparla, prefería vivir en el Paseo de Sagasta, al final la ocupó hasta su muerte, en 1965. No se permite hacer fotos en el interior de la vivienda, así que espero que editen un libro con la historia de la restauración. 

Detalle del zodíaco

Recientemente visité la exposición del Centro de Historias sobre Simón Loscertales Bona y su pasión por el mobiliario. No me parece que la Casa Solans fuese un mal sitio para instalar un pequeño museo dedicado a los muebles-joya de Loscertales. Ahí lo dejo. 

Salón y comedor principales

Visita guiada Turismo de Zaragoza.

Cine: Dulcinea de Vicente Escrivá (1962)

Dulcinea fue dirigida por Vicente Escrivá en 1962. Está basada en una obra teatral de Gaston Baty, un escritor francés muy influido por el expresionismo y conocido por haber adaptado la novela Madame Bovary al teatro. 

Vicente Escrivá trabajó como guionista y director y en sus últimos años también creó alguna serie de televisión. Fue guionista de muchas películas entre las que destacan Agustina de Aragón y también de La leona de Castilla, ese tipo de superproducciones históricas de CIFESA, que tanto éxito tenían en los años 1950. Pero esta película se sale de ese estilo. No es heroica ni mucho menos complaciente con el espectador.

Aldonza y el ventero

Basándose en los personajes del Quijote el autor, y posteriormente el director, imaginan la vida de una mujer, una “moza del partido”. Una moza del partido o moza de fortuna (en este caso de mala fortuna) era, en el siglo XVI una prostituta callejera. Una pobre mujer, posiblemente abandonada al nacer, que no tenía donde caerse muerta. 

Por caridad (esa repugnante y abusiva caridad revestida de engreimiento) se permitía a estas mujeres trabajar en las ventas, como criadas y como putas. Aldonza es una de estas mujeres, deslomada de acarrear agua y explotada por su ventero durante todo el día y molida a golpes por los puteros por la noche. Es una joven hermosa y muy devota de la virgen, aunque, por caridad, también le esté prohibido entrar a la iglesia.

En la venta donde trabaja, todos hablan del caballero don Quijote. Incluso unos títeres representan sus historias. Aldonza se refugia en la fantasía de justicia que el caballero representa. Como Cervantes escribe, Sancho había salido en busca de Dulcinea para entregarle una carta de don Quijote. Una carta hermosa en la cual empieza llamándola Dulcísima señora, esperanza de mi herido corazón. Nadie podría negarse a una carta así. Como Sancho no sabe quién es Dulcinea o quizá porque es un vago redomado, entrega la carta a la primera mujer joven y hermosa que ve. La apaleada Aldonza recibe la carta como una señal de cambio en su vida que le impulsa a salir en busca del caballero.

Sancho ve a Aldonza y la convierte en Dulcinea

En esa búsqueda vivirá su propia aventura, trágica y amarga. Se encuentra con personajes tan miserables como ella y tan acostumbrados a sufrir el abuso como ella y por esto, terminará por creer que su tarea es redimir a los humillados, a los enfermos y a los mendigos, aunque éstos pretendan también abusar de ella, y combatir las injusticias como hizo don Quijote. A partir de aquí la película recuerda a Viridiana de Buñuel y El proceso de Juana de Arco de Robert Bresson. La fotografía en blanco y negro, muy contrastada, expresa toda la dureza del paisaje inhóspito de la Mancha.

Es una película muy interesante que supongo se revalorizará con el tiempo porque en su momento no tuvo mucho éxito. Yo la vi en la Filmoteca de Zaragoza, programada en el ciclo dedicado a Cervantes y a Shakespeare, por el cuarto centenario. Como curiosidad la actriz que interpreta a Dulcinea es Millie Perkins, famosa por haber encarnado también a otra heroína trágica, Ana Frank.

Dirección: Vicente Escrivá

Guion: Vicente Escrivá y Ramón Faraldo

Música: Giovanni Fusco

Fotografía: Godofredo Pacheco

Intérprete: Millie Perkins, Folco Lulli, Walter Santesso, Vittoria Prada, Pepe Rubio, Antonio Ferrandis.

Cine: Incierta gloria de Agustí Villaronga (2017)

He leído en alguna crítica que el cine de Agustí Villaronga es cine de almas ennegrecidas. Y está muy bien definido así. Porque no es que el director se regodee en las miserias humanas ni que postule sobre la maldad intrínseca del ser humano sino que sitúa a sus personajes en situaciones miserables y aprovecha para que observemos sus comportamientos y si queremos les entendamos o no. 

Así lo hacía también en Pan negro, donde elegía como situación miserable la Posguerra Civil, pero sin tratarla como una historia política o de soldados perdedores y de represión sino una historia más cercana a una miseria moral más antigua y permanente que, en condiciones normales no se ve pero que se sigue desarrollando, como una corriente subterránea e imperceptible que, en situaciones miserables, sale a la luz con toda su potencia y vigor. 

Las películas, como cualquier otra obra de creación, tienen distintos niveles de lectura e interpretación. En Incierta gloria, ambientada en la retaguardia del Frente de Aragón casi al final de la Guerra Civil, el hilo conductor de todos los niveles simbólicos es el de la decrepitud. El director ha retratado esta decrepitud de una forma muy poética y macabra: en un edificio en ruinas se reúnen para tomar el té, el café o el chocolate, los cadáveres tal y como fueron enterrados, vestidos con sus mejores galas. Eso sí, cadáveres de la gente importante, al resto lo llevan a las buitreras.

También hay decrepitud en las relaciones entre los tres personajes jóvenes. Son relaciones de amistad y amor marcadas por el fin, pero ninguno de los protagonistas se atreve a decirlo claro. Es un triángulo amoroso que se mantiene porque los intervinientes no quieren reconocerse a sí mismos que todo ha terminado. El ideal del amor, el ideal de la amistad y el ideal de una revolución política, todo está a punto de convertirse en cenizas, como las  imágenes de santos quemadas por los anarquistas en las plazas. Estos tres jóvenes, dos hombres y una mujer, que se conocen desde niños, que han estudiado juntos y que deseaban hacer la revolución juntos, no podían imaginar su fracaso vital absoluto.

Lluis y Trini decidieron tener un hijo y no casarse, pero Lluis hace tiempo que ya no siente nada por Trini. Se esconde en la guerra y así no tiene que enfrentarse a decírselo a ella. Juli, amigo de la infancia y compañero de estudios de Lluis, ama a Trini desde siempre, pero su amor hacia Lluis le impide confesárselo. Los tres viven sus disimulos y mentiras. En el fondo, aunque se crean unos revolucionarios, son personajes limitados por su mentalidad pequeñoburguesa, sus frustraciones y su vida antes de la guerra, relativamente cómoda. Juli es el personaje más excesivo y pasional, nihilista y por eso mismo antipático y egoísta, que parece que ha llegado ya a su límite. Es capaz de besar un cadáver pero incapaz de suicidarse. Por el contrario, Lluis se muestra más pasivo y va donde le dicen que tiene que ir y hace lo que le dicen que tiene que hacer.

Trini es un personaje más convencional; a pesar de su matiz revolucionario actúa como una esposa y madre abnegada que, incluso, ha decidido bautizarse. Quizá porque como mujer, es secundaria en la vida de los dos hombres que, de alguna manera, se la disputan o quizá porque sus problemas de pequeñoburguesa desaparecen al enfrentarse a los problemas y abusos sufridos por las mujeres pobres. En la película queda ensombrecida por dos personajes femeninos mucho más radicales y potentes y que nunca se comportan con ella como si fueran sus rivales: Olegaria y la Carlana.

Luisa Gavasa interpreta a Olegaria. La mujer del pueblo, acostumbrada a sufrir y a rezar; la sabiduría de quien sabe que las cosas no cambian nunca porque quienes son incapaces de cambiar son los seres humanos. Es el pensamiento mágico y la costumbre por encima de la lógica y el cambio. Es la personificación del pueblo a quien iba destinada una revolución pensada por burgueses en las ciudades. Ofrece refugio a quien lo pide, sin preguntar nada.

Pero el personaje estrella de la película es la Carlana, interpretada por Núria Prims. Desde mi punto de vista, es un personaje fascinante y no bien entendido por parte de los hombres. Por las críticas que he leído, la comparan siempre con una inmensa araña negra devorahombres, una gran diosa oscura que corta los hilos de la vida según su conveniencia y así se ve representada también visualmente en la película. Algunos críticos, amablemente, disculpan su actitud y su comportamiento de araña porque están inspirados por su lucha por la supervivencia.

Olivella, la Carlana, es la mujer pobre apaleada, explotada y violada desde niña. Primero por el borracho de su padre y después por el señorito del pueblo que le hace dos bastardos y que termina asesinado por los anarquistas. La Carlana no tiene ninguna intención de atraer a los hombres a la perdición. Son los hombres, también los pequeñorevolucionarios con sus pequeños problemas de conciencia, los que se acercan para seguir aprovechándose de ella o para morir en el intento. Aunque, esta vez, la turbulencia de la guerra será beneficiosa para ella y para sus hijos y la Carlana jugará inteligentemente sus cartas: de ser la querida del cacique pasará a ser la señora del castillo. Por esto yo no veo a la Carlana como una voraz y vengativa mantis religiosa sino como un animal más noble y luchador. Una leona que defiende a sus cachorros.

Esta película es adaptación de la novela de Joan Sales del mismo nombre, considerada un clásico en la literatura catalana. Es una novela muy extensa que me leeré el próximo verano y recomiendo la película sin dudarlo, además por los secundarios de lujo: Terele Pávez, Fernando Esteso y Juan Diego. 

Dirección: Agustín Villaronga 

Guion: Agustí Villaronga y Corral Cruz (Novela de Joan Sales)

Música: Marcus Jgr

Fotografía: Josep M. Civit

Intérpretes: Marcel Borràs, Núria Prims, Oriol Pla, Bruna Cusí.

Cuento: Diles a las mujeres que nos vamos de Raymond Carver (1971)

Estaba leyendo un libro de cuentos de Raymond Carver y me han recomendado que leyese especialmente otro de sus cuentos no incluido en este libro. Se trata de Diles a las mujeres que nos vamos. Aterrador. 

Trata de dos amigos de toda la vida, de los que lo han compartido todo: la ropa, el coche y las chicas que se follaban. Jóvenes veinteañeros todavía pero envejecidos, ya casados y uno de ellos con hijos y arrastrando una enorme frustración que ni la cerveza ni el whisky pueden mitigar. Bill y Jerry, son nombres vulgares para hombres vulgares, que no destacan en nada. Estudiantes regulares, trabajadores regulares, maridos regulares y padres regulares. Se siguen viendo todos los fines de semana y para que las cosas sean más fáciles sus esposas también se han hecho amigas.

Este es el coche de Jerry

Los domingos son día de barbacoa, con las mujeres y las niñas. Se sientan frente a la piscina a beber cerveza y a hablar de coches. Un domingo, Jerry aplasta la lata de cerveza, no tiene muchas ganas de hablar. Prefiere coger el coche, un chevy descapotable del 68, y salir a dar una vuelta. Diles a las mujeres que nos vamos. Paran en un bar, siguen bebiendo cerveza y Jerry no se calma. Otra lata aplastada. La solución, volver a la carretera y pisarle a fondo al coche, 135 kilómetros por hora. Y dos chicas que terminarán muertas, sólo porque Jerry no sabe vivir su frustración y porque Bill le sigue como un perro asustado. 

Las chicas son jóvenes, es verano, llevan pantalón corto y camisetas ajustadas de tirantes finos. Van en bicicleta, de excursión hacia las montañas. Para Jerry esto es motivo suficiente para considerarlas putas que se le insinúan con la mirada. Así que, sin que Bill haga nada por evitarlo, Jerry se dedicará a perseguirlas, acosarlas, acorralarlas como si fueran animales y finalmente matarlas. Persecución y caza. Jerry dijo: Vete a la derecha y yo iré de frente. Les cortaremos el paso a esas calientapollas.

Las chicas pretendían pasar el domingo en un sitio parecido a éste

Lo aterrador de este cuento es la falta de motivos que Jerry tiene para matar a las chicas pero que lo haga sin ninguna dificultad. El autor nos ahorra los detalles del asesinato pero casi es mucho peor. En una línea revela toda la crudeza del hecho, la brutalidad del asesino y la pasividad del cómplice, Jerry utilizó la misma piedra con las dos chicas.

Miramos la violencia de género y los asesinatos de mujeres bajo un prisma que yo considero erróneo. Hasta hace unos años (y algunos hombres y mujeres lo siguen haciendo) considerábamos que las mujeres provocaban estas situaciones y, en cierta manera, lo seguimos haciendo cuando nos preguntamos e insistimos en saber por qué las mujeres no han hecho algo para evitar la violencia de sus parejas. Por qué no se han ido de casa, por qué no han denunciado, por qué no han buscado ayuda de sus familias. Siempre la responsabilidad está en la mujer que hizo todo lo posible para evitar su muerte, no actuó correctamente.

Aunque en este cuento no hay una relación sentimental y no sería exactamente violencia de género, sí que pone de manifiesto el ánimo que impulsa a estos hombres, a los que una cerilla apagada les calentaría la polla. La frustración y la cacería. Lo único que hace la víctima es pasar por allí en un momento inoportuno.

Raymond Carver es el máximo representante de lo que se llama realismo sucio. Es de esos escritores que te deja el alma en vilo, al menos en este cuento. Apenas esboza lo aterrador que puede ser el ser humano y sin explicarte nada más y sin dejarte tiempo para asimilar, termina el cuento. Así, sin más. 

Exposición: Orwell toma café en Huesca (2017)

En 1937, George Orwell trabajaba como periodista y fue enviado a cubrir la Guerra Civil española. Inmediatamente tomó partido. Era un ciudadano británico que había nacido en las colonias y que había sido testigo del racismo con el que se trataba a los no blancos. Se declaraba firmemente antiimperialista y en los meses que pasó en España se convirtió en un ferviente antifascista. 

Orwell al fondo. Fotografía de Agustí Centelles

De su experiencia en la sierra de Alcubierre y en el cerco de Huesca, surgió en forma de autobiografía novelada y crónica periodística, Homenaje a Cataluña, terminado en diciembre de 1937. La exposición aprovecha que se cumplen los 70 años de su estancia en Huesca para dar un repaso de cómo fue la guerra allí y cómo fue también la represión posterior.

Eric Arthur Blair, su verdadero nombre, había tenido siempre clara su vocación de escritor, aunque para seguir la tradición familiar, después de sus estudios en Eton había ingresado en la policía colonial británica. Pronto dejaría ese trabajo para dedicarse a escribir.

Había viajado por el norte de Inglaterra para informarse de las condiciones de vida de los mineros, escribiendo El camino a Wigan Pier, donde por primera vez dejaba apartada la novela y se implicaba en una crónica con análisis sociológico. Poco después, se sintió atraído por la situación en España. A pesar de pertenecer a la burguesía acomodada, no ocultaba sus simpatías por los trabajadores sobre todo si estaban implicados en una revolución con un halo de romanticismo, como ocurría en los primeros meses de guerra en España.

Se trasladó a España con ayuda del Partido Laborista y aquí se incorporó al POUM, el Partido Obrero de Unificación Marxista opuesto al estalinismo y que, posteriormente, sería acusado de ser un partido fascista y perseguido por parte de la izquierda ortodoxa (y autoritaria) dominada por la Unión Soviética. En la exposición se puede ver un cuadro pintado por Eugenio Granell en 1991, también militante del POUM, con un título muy significativo. Es Elegía por Andrés Nin asesinado por el estalinismo y vuelto a asesinar por la cobardía del silencio de los intelectuales de igual calaña, dedicado a Andreu Nin, fundador del POUM, que fue asesinado en septiembre de 1937, en circunstancias que nunca se han aclarado pero en el trascurso de las purgas ordenadas contra el POUM y los anarquistas.

Orwell fue destinado a la Caserna Lenin y queda constancia de ello a través de unas fotografías tomadas por Agustí Centelles, en la que sobresale claramente su cabeza por encima del resto de sus camaradas. Una de esas fotografías da inicio a la exposición. Estuvo en España aproximadamente desde enero a junio de 1937.

Eugenio Granell. Elegia a Andrés Nin

Después sería herido gravemente en la garganta y tendría que dejar el frente. De regreso a Reino Unido, sus amigos insistieron en que se dedicase a la novela pero él siguió escribiendo sobre la Guerra Civil y posteriormente sobre el fascismo durante la II Guerra Mundial. No tenía ninguna duda de que la situación en España le había hecho significarse para siempre contra el fascismo. Así lo reconoció en Recordando la Guerra Civil española o en Por qué escribo. Murió todavía joven, en 1950 y entre su abundante producción literaria dejó dos de las novelas políticas más influyentes durante toda la segunda mitad del siglo XX: Rebelión en la granja y 1984.

Las armas de un reportero

La exposición muestra abundantes documentos, carteles y fotografías de los dos bandos contendientes y también de las luchas dentro del seno de la izquierda. Se han aportado también testimonios, dibujos y diarios de milicianos, de conductores de ambulancias, de los protagonistas directos de la guerra, que no salen en los libros de los estudiosos, pero que constituyen documentos de gran valor sentimental, para las familias de los autores, y de la vida cotidiana y la microhistoria para el resto.

Detente

También pueden verse las mencionadas fotografías de Agustí Centelles y también de los fotógrafos locales. Y lo que más me llamó la atención fueron los detentes bordados o pintados que trataban de proteger a los soldados de las balas y las bayonetas. Ver los detentes e imaginar las horas que algunas mujeres pasaron preparándolos con todo su amor y toda su fe da mucha pena; por más que nos empeñemos la fe no puede parar las balas. También están las armas de los periodistas, una máquina de escribir portátil y cámaras de fotos. Referencias también a la participación de las mujeres en la contienda con fotografías de Simone Weil, la virgen roja, torpe y miope pero comprometida con la causa de los obreros o una nota de prensa sobre la muerte de Felicia Browne, la primera miliciana británica muerta en España, una artista, dibujante y escultora de gran talento. Una exposición muy recomendable y especialmente la visita guiada. Y si se tiene tiempo el resto del museo es también muy interesante. 

Dibujos de Felicia Browne, realizados durante su estancia en Tardienta (Huesca)

Orwell toma café en Huesca

Museo de Huesca

Plaza de la Universidad, 1

del 17 de febrero al 25 de junio

Concierto: La flauta mágica y el Réquiem de Mozart (2017)

Una selección de La flauta mágica y el famoso Réquiem en re menor KV 626 son las dos obras de Mozart elegidas para el penúltimo concierto del 37 Ciclo de Introducción a la música, Conciertos para una mañana de domingo del Auditorio de Zaragoza. Fueron interpretadas por la Orquesta Reino de Aragón y la Federación Aragonesa de Coros. Mi cultura musical no es muy buena. Me acerco a la música clásica por impulsos de lo que más me gusta, dentro de lo más conocido, y también utilizo mi curiosidad como brújula. Estas dos obras siempre han sido controvertidas y muy significativas dentro de la producción del autor. Ambas fueron compuestas en 1791, poco antes de la muerte de Mozart. 

El simbolismo de La flauta mágica se ha interpretado de diferentes maneras. Como un simple cuento de hadas, donde los amantes tienen que superar pruebas para ver realizado su amor o como un cuento masónico, iniciático, de perfección y de liberación del conocimiento de las garras oscuras de la ignorancia. En cualquiera de los dos casos, la música es lo que permanece y seguirá siendo excepcional aunque se encuentre una tercera interpretación.

Tamino es atacado por una serpiente en el bosque; las tres damas le salvan pero es Papageno, un ser extraño mitad humano mitad pájaro, quien se adjudica el mérito y por ello es castigado. La reina de la noche tiene una hija, Pamina, secuestrada por el sacerdote del sol Sarastro. La reina de la noche quiere proteger a su hija, pero Sarastro considera que ella es una mala influencia para la joven. Parece una lucha entre la luz y la oscuridad, el bien y el mal, aunque Sarastro al principio pueda parecer el malo, al final parece ser el portador de la luz.

Producción de La Flauta Mágica en el Teatro Real de Madrid, 2016

La reina encarga a Tamino que libere a su hija Pamina, con la ayuda de Papageno. Así Tamino y Papageno tendrán que superar las pruebas que Sarastro ha preparado para ellos. Pero Papageno encontrará el amor y abandonará a Tamino y su búsqueda del conocimiento por Papagena. Además Pamina sufrirá un intento de violación por parte de Monostatos que tampoco es enteramente humano. Aunque la intervención de su madre, la reina de la noche, impide la violación, al final será la reina la que se una a Monostatos; al fin y al cabo los dos son seres oscuros.

Adaptación de La Flauta Mágica por Kenneth Branagh, 2006

Cuando Pamina y Tamino consigan ingresar en la orden de los sabios, Sarastro desaparecerá porque su misión ya se ha cumplido. Todo un culebrón, ¿no? Pero con la música de Mozart todo es mucho mejor. Os dejo el aria de Sarastro, In diesen heil’gen Hallen, que debe ser interpretada con la complejidad que requiere este personaje. Y para quien quiera iniciarse en la ópera os recomiendo el programa This is opera, creado y dirigido por Ramón Gener, que la 2 de RTVE emitió hace unos meses y que todavía puede verse en RTVE a la carta.

La segunda pieza fue el Réquiem que Mozart dejó incompleto y con instrucciones, parece que bastante detalladas para que su discípulo Süssmayr lo terminase; aunque también intervinieron otros músicos, pero en menor medida y por encargo de la viuda de Mozart. No creo que se pueda saber nunca si la proximidad de la muerte intensificó los sentimientos de Mozart y su capacidad creativa o fue la búsqueda de esa perfección, y la preocupación por sus problemas económicos, lo que precipitó su muerte. Parece que los artistas sienten y padecen con mucha más intensidad que los demás o por lo menos eso queda de su leyenda.

Mozart componiendo junto a Constanza

Hoy consideramos a Mozart un artista genial, pero en su época simplemente era un artesano (muy cualificado, sin duda) que componía por encargo y por dinero. Esta puede ser la razón de que no quedase suficientemente documentada la intervención de otros músicos en la finalización de esta obra. Si hubiese quedado inacabada, probablemente la viuda, Constanza hubiera tenido que devolver el dinero adelantado para su consecución y es posible que ese dinero ya se hubiese gastado. Esa era la situación de los artistas, y de sus viudas, en el siglo XVIII.

Indudablemente el resultado es grandioso. Pero no sé si todavía lo es más por el hecho de tratarse de una misa y además de una misa de réquiem. La espiritualidad que desprende, para creyentes y no creyentes, está relacionada con la agonía y muerte del propio compositor que nos recuerda que todos estamos de paso.

De la interpretación del Réquiem sí que he encontrado vídeo. Más información sobre éste y el resto de conciertos en el blog del Auditorio de Zaragoza: https://blogauditoriozaragoza.com/2017/03/13/el-ultimo-gran-ano-de-mozart/

Para no terminar con la tristeza de la muerte y, teniendo en cuenta que el concierto fue en una mañana de domingo y que las mañanas de domingo siempre deben ser felices, os dejo un vídeo de Florence Foster Jenkins destrozando a Mozart. Florence era una apasionada de la ópera sin ningún talento musical y con el suficiente dinero para poder financiarse sus conciertos y sus grabaciones en los años 1930. Recientemente se ha estrenado una película biográfica sobre esta excéntrica señora interpretada por Meryl Streep.